EL PADRE DE LA ABSTRACCION

Kandinsky nació en Moscu, hijo de Lidia Ticheev y Wassily Kandinsky Silvestrovich, un comerciante de té. Kandinsk aprendió de una variedad de fuentes. Más tarde en la vida, recuerda la fascinación y estimulado por el color como un niño. Su fascinación por el simbolismo del color y la psicología continuó a medida que crecía. En 1889, formó parte de un grupo de investigación etnográfica que viajó aVólogda al norte de la región de Moscú. En Mirada retrospectiva, relata que las casas e iglesias fueron decoradas con colores tan brillantes que al entrar en ellos, sentía que se movía en una pintura. Esta experiencia, y su estudio de arte popular de la región (en particular, el uso de colores brillantes sobre un fondo oscuro), se reflejó en gran parte de sus primeros trabajos. Unos años más tarde, primero comparó pintura para componer música de la manera por la cual se convertiría en señalar, escribiendo, "El color es el teclado, los ojos son los martillos, el alma es el piano con muchas cuerdas. El artista es la mano que obras de teatro, tocando una tecla u otra, para causar vibraciones en el alma "

El desarrollo de Kandinsky hacia la abstracción encuentra su justificación teórica en "Abstracción y empatía" de Wilhelm Worringer, que se había publicado en1908. Worringer argumenta que la jerarquía de valores al uso, basada en las leyes del Renacimiento, no es válida para considerar el arte de otras culturas; muchos artistas crean desde la realidad pero con un impulso abstracto, que hace que las últimas tendencias del arte se den en sociedades menos materialistas.

EL GRAFITI

En el lenguaje común, el grafiti es el resultado de pintar textos abstractos en las paredes de manera libre, creativa e ilimitada con fines de expresión y divulgación donde su esencia es cambiar y evolucionar buscando ser un atractivo visual y con un alto impacto, como parte de un movimiento urbano revolucionario y rebelde; por lo tanto, una pintada política no se considera un grafiti como tal. El grafiti se realiza de manera espontánea, veloz, en lugares públicos, y en algunas ocasiones se mantiene el anonimato. El aerosol, además, es catalogado como uno de los cuatro elementos básicos de la cultura hip hop

UN REPRESENTANTE DEL PAISAJISMO

José Orlando López Molina nació en Tibasosa (Boyacá-Colombia) En el año 1959, realizo estudios de arquitectura en la universidad Piloto y estudio publicidad en la Universidad Central de Bogotá. Los campos de Boyacá, tan ricos en los matices del verde, son demasiado atractivos para quien tiene la suerte de pintarlos, porque ese color no es precisamente de lo mas agradecido pero si imprescindible – y como no!- para el paisajista. Por otra parte, Boyacá es tierra fácil al sentimiento ruralista y tradicional propio de sus hijos. De ahí que, boyacense y paisajista, José Orlando López se entrega a las tentaciones de lo rural y lo verde que en esa fértil tierra suelen ir unidos a un concepto pintoresco de la figuración, que es lo que el cultiva convencionalmente. No puede caber duda, pues, en hablar de naturalismo decimonónico cuando se trata de determinar en que terreno estético se sitúa el pintor, al que cualquier inquietud que tenga que ver con las cuestiones planteadas por el arte del siglo XX le es ajena. A cambio, las verdes praderas donde las vacas pastan, las evocadoras casas de hacienda y las masas de pinos y eucaliptos le ofrecen un temario atrayente y sedante que el sabe aprovechar sin cambiar un ápice de lo que se ve y sabe reproducir en el lienzo con paciencia y honradez. No cree ni en la vanguardia ni en la critica. Su arte no es mas que la crónica de los paisajes de sus pueblos que respiran vida en el marco que limita sus sueños, pero que lo hacen un hombre feliz, que sufre, sin embargo, con la angustia de cada día, aunque crece en la sabana infinita que lo abriga desde la distancia bella de sus recuerdos. En la historia del arte, el paisajismo no ha sido considerado un genero mayor tal vez porque para su cultivo “no se necesita dibujo ni perspectiva ni mayor calidad” como se pregonaba en la academia de ingres. Nació tímida y dependientemente como simple referencia al lugar donde el pintor situaba la figura humana o el acontecimiento histórico religioso: un par de palmeras, unos papiro, o un campo de trigo en las pinturas murales del antiguo Egipto no son mas que indicativos necesarios para decirnos que los personajes se encuentran allí. No hay todavía paisaje sino señales de paisaje. Los historiadores, sobre todo si son italianos, nos cuentan que fue en el siglo XIII con Giotto, quien había sido pastor de ovejas, cuando nació el paisajismo en la pintura; pero los de Giotto son paisajes fabricados, no vistos, aunque hay que reconocer que ya tienen personalidad y van algo mas allá de ser indicativo escenográfico. Los fondos paisajísticos góticos intentan envolver a las figuras y son minuciosísimos, como hechos por notarios que pintan tan descriptiva como amorosamente; pero hay que esperar al siglo XVII en que los flamencos y holandeses, también los venecianos, imponen la pintura de país aun cuando genero escasamente autónomo. Todavía a finales de siglo XVIII se enseñaba en las academias españolas e hispanoamericanas bajo el titulo de “verduras” algo asi como materia accesoria, a la atura de la de “ropajes”. Solo con la corriente naturalista de la centuria decimonónica que abrió la pintura al plein air habría de alcanzar el paisaje a tener voz propia y a ser genero plenamente independiente.

ANTONIO RAMON MARQUEZ

Pintor rotulador, nació en el año de 1958. A los 12 años comenzó a organizar el primer taller de serigrafía en Riohacha, tiempo que compartía con la pintura de caballete. En 1988, motivado por la falta de oportunidades para crear artistas en La Guajira, fundó la primera escuela de dibujo con el nombre de Antonio Márque

De esta escuela salieron los primeros pintores guajiros. El maestro Márquez, de ascendencia indígena, y formado en la universidad de la vida, se ha dedicado a producir pinturas en el óleo sobre lienzo y esculturas, entre otras técnicas artísticas, las cuales se encuentran hoy en diferentes países.

Además de pintor es escultor y ha logrado plasmar con su creatividad las siguientes obras:

·         Busto de Luis Antonio Robles en el Palacio de Justicia de Riohacha.

·         Monumentos de “los Embarradores de Riohacha”.

·         Monumento de “La India”, Parque de La India de Riohacha.

·         Busto de Don Helio Pinedo Ríos, en el colegio que lleva su nombre.

Sus obras han sido exhibidas a nivel nacional e internacional. Aun hoy reposa en una galería de Miami su obra “La Vendedora de Pescado”, la cual fue seleccionada por el comité del programa Plan Caribe de la Presidencia de la República, a través del Despacho de la Primera Dama de Barranquilla, junto a 20 expositores del Caribe Colombiano.

Sus producciones resaltan la idiosincrasia y el entorno del indígena wayuu, lo que ha permitido conservar en muchas personas la imagen de la Guajira indígena colombiana.

DEBORA ARANGO

Era hija de Castor María Arango Díaz y Elvira Pérez. Desde niña mostró buenas actitudes por la pintura y el arte, años después ingresó al Instituto de Bellas Artes de Medellín. Fue alumna del Maestro Eladio Vélez, quien le enseñó los secretos del dibujo y del Maestro Pedro Nel Gómez; en el taller de este último aprendió la dinámica de la forma, la vitalidad del movimiento, el colorido. Mientras tanto, en la biblioteca de su tía, descubrió a los filósofos y escritores de todas las tendencias; por intermedio de sus hermanos, estudiantes de medicina, accedió a libros de anatomía que le permitieron el estudio del cuerpo humano.1 En 1937 expuso acuarelas de paisajes, animales y naturaleza muerta, junto a sus compañeras del taller de Nel Gómez. En 1938 se apartó de su maestro y comenzó a trabajar sola, experimentando con desnudos de tamaño natural y pintando escenas de la vida real. Un año después participó en la "Exposición de Artistas Profesionales" en el Club Unión de Medellín donde expuso acuarelas y óleos, incluyendo dos desnudos, uno de ellos "Cantarina de Rosa": ganó el primer premio y el escándalo estalló. La sociedad política e intelectual repudió su obra y la calificó de sórdida, impúdica y pornográfica. En 1946 viajó a México para perfeccionarse y estudiar a los muralistas; de regreso, en 1948, expuso en Medellín, pero su desnudo, esta vez "La adolescencia" volvió a escandalizar a la sociedad. Rebelde, transgresora, audaz, polémica, talentosa, Débora abordó la crítica social y política de su país y de su época: pintó obreros marginados, monjas, prostitutas, mujeres relegadas, el dolor y el maltrato, la situación política y las manifestaciones populares. Interpretó la realidad cotidiana, denunciando la violencia de una sociedad llena de prejuicios ancestrales. Fue la primera mujer colombiana que se atrevió a pintar desnudos, por lo que fue duramente criticada, también lo fue por los retratos de conocidos políticos pintados con forma de animales.

TALLADO EN MADERA

Una talla es una obra de escultura, especialmente en madera.1 La madera se talla mediante un proceso de desbaste y pulido, con el propósito de darle una forma determinada, que puede ser un objeto concreto o abstracto. El producto final puede ir desde una escultura individual hasta elementos decorativos trabajados a mano que forman parte de una tracería. Es una actividad muy antigua y extendida. Algunos de los mejores ejemplos que subsisten de antigua madera tallada provienen de la Edad Media en Italia y Francia, donde los temas típicos de aquella época era la icono grafía cristiana. En Inglaterra subsisten ejemplos de los siglos 16 y 17, época en la que el medio preferido era el roble. Desde las épocas más remotas la decoración de madera ha sido un arte destacado. La tendencia de la naturaleza humana ha sido siempre ornamentar cada artículo de uso ordinario. La Humanidad, desde sus primeros tiempos, cortan dibujos o diseños en cada artículo de madera que es susceptible de talla. Así puede verse en la obra de diversos pueblos que conservan esta tradición: los indios de Norteamericana tallan sus anzuelos o las boquillas de las pipas, lo mismo que los polinesios tallan sus remos.

LAS MEJORES ESCULTURAS DEL MUNDO

Las esculturas más famosas del mundo alcanzan su popularidad por motivos muy distintos. En ocasiones es por haber marcado hitos en la historia del arte, porque se han convertido en iconos que poco o nada tienen que ver con el arte o por el misterio que las rodea y encandila a investigadores y turistas. El Moisés de Miguel Ángel se ha reproducido y divulgado en tantos libros de historia de arte con un aspecto tan robusto e imponente que desconcierta verlo en persona en la pequeña Basilica di San Pietro in Vincoli (Roma) con un tamaño bastante más modesto y asequible de lo esperado. 8. Pietá Stanislav TraykovLa Pietá, también de Miguel Ángel, es uno de los muchos tesoros a los que da cobijo la Basílica de San Pedro del Vaticano. En 1972, el día de Pentecostés, el conjunto escultórico fue dañado por un hombre con problemas psicológicos que arremetió a martillazos contra la figura de la Virgen. Gracias a las múltiples copias que existían del original se pudo restaurar la obra, pero desde entonces la Piedad solo se puede contemplar a través del vidrio a prueba de balas que la protege. 7. Moáis Artemio UrbinaLas más de 600 estatuas de piedra monolítica encontradas en la Isla de Pascua (Chile) generan desconcierto y muchas preguntas a las que aún no se ha podido dar respuesta con certeza. Existen toda clase de teorías sobre su significado, su construcción o su transporte. Un gran enigma y reclamo turístico. 6. Venus de Willendorf Don HitchcockLa Venus de Willendorf es la más conocida de las venus prehistóricas, pequeñas estatuas femeninas con rasgos genéricos y exagerados atributos. En cuanto a la Venus de Willendorf existen dos teorías dominantes y antagónicas sobre su significado: para unos es un símbolo de fertilidad y prosperidad, mientras que para otros representa a la Madre Tierra. Es tan famosa por sus exageradas y redondas proporciones que quienes hayan leído la también famosa serie de libros Los hijos de la tierra seguro que reconocieron a esta venus en la figurilla de la Gran Madre.

ARTE ROCOCÓ

El rococó es definido como un arte individualista, antiformalista cortesano.

 Se caracteriza por el gusto por los colores luminosos, suaves y claros. 

Predominan las formas inspiradas en la naturaleza, la mitología, la belleza de los cuerpos desnudos

el arte oriental y especialmente en los temas galantes y amorosos.

Es un arte básicamente mundano, sin influencias religiosas, que trata temas de la vida

 diaria y las relaciones humanas, un estilo que busca reflejar lo que

es agradable, refinado, exótico y sensual.