APRECIACIÓN ESTÉTICA

En arte es difícil utilizar definiciones , por lo cual lo que exponemos  son sugerencias e ideas. Es oportuno, al hablar de arte nombrar la estética. La estética trata dela belleza. la belleza es la sensación agradable que emiten muchísimas  cosas y seres  entre las  cosas  están las  obras  de arte.Obras de arte son las  que  realizan  los artistas.Los artistas  son los  individuos, cuyo trabajo consiste  en la  practica del arte. El arte es  un concepto variable  en función de muchas  cosas.

LUZ Y SOMBRA ELEMENTO DEL VOLUMEN

Percibimos las formas por que al reflejarse la luz sobre los objetos nos permite identificarlos 

las sombras son las zonas o áreas donde  no llega la luz.

Al percibir las luces y sombras de un objeto, ellas nos ayudan a identificar su forma, la materia que lo compone y su posición en relación con lo que lo rodea.

La luz que recibe el modelo nos dice todas sus características; físicas cuando recibe la iluminación dura, fuerte, brillante, tenue, cálida, fría;el modelo expresa en combinación con otros factores: alegría,tristeza,inquietud,paz,entre otros.

La luz que reciben los  modelos  nos dice si está constituido por formas planas, curvas, esféricas, cóncavas así mismo nos revela sus dimensiones y proporciones con respecto a otros objetos.

EL REFLEJO EN LA PINTURA

El reflejo nos ayuda  a comprender las formas de los  cuerpos, realzando su volumen , el reflejo existe en todas las  sombres, acentuándose en lugares de mucha luz , como al aire libre o locales bien iluminados  .
Sí colocamos a cierta distancia de un  cuerpo iluminado por  un lado,una hoja de papel blanco o un objeto claro por su lado oscuro o en sombra, notaremos que  aparece sombre sombra propia del modelo una luz adicional a la que  se llama reflejo

ARTISTA COLOMBIANO

Darío Morales estudió desde los 12 años en la Escuela de Bellas Artes de Cartagena. En 1962 ingresó a la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Nacional de Bogotá.

En 1968 realizó una importante exposición individual en la Biblioteca Luis Ángel Arango de Bogotá. Ese mismo año se casó con Ana María Villa y viajó a París con un crédito del ICETEX; allí estudió grabado en el Atelier (Taller) 17, con el maestro británico Stanley William Hayter. Al año siguiente decide radicarse definitivamente en París en donde desarrolla su vida familiar, allí nacen sus hijas Estefanía (1973) y Clara Serena (1979).

En 1972 expuso individualmente en Estados Unidos y Europa. Hizo dibujo, pintura, grabado y escultura, destacándose por su gran cuidado técnico a la manera de los maestros del pasado. Puede decirse que el suyo es un buen oficio en el sentido tradicional del término. Se ocupó de temas convencionales de la historia del arte, el desnudo principalmente. La sensualidad del cuerpo femenino fue su principal obsesión; lo trató de una manera muy propia, rodeándolo de ambientes cerrados y objetos cotidianos que, sin embargo, daban a sus cuadros una cierta atmósfera de "escenografía pictórica" sobre la cual la modelo posa.

Desde finales de los setenta hizo esculturas en bronce, desnudos femeninos en diferentes posiciones y actitudes, algunas escenas de taller en las que se retrató con la modelo y al final de su vida, bodegones en bronce exquisitamente patinados a partir de objetos encontrados. Morales recibió un buen número de distinciones y premios por sus exposiciones.

El 21 de marzo de 1988, en París muere Morales tras padecer la enfermedad en los últimos años en Francia.

PEDRO NEL GOMEZ

Nació el 4 de julio de 1899 en Anorí , un pueblito del nordeste Antioqueño perdido entre las últimas  estribaciones y serranías  de la  cordillera  central de los  andes  colombianos , vivió en su tierra de  origen los  primeros años de su infancia,  luego se instaló en Medellin donde estudió leyes. El hecho de que  Anorí sea un pueblo minero influyó profundamente  en su obra; el trabajo como gesto popular, la participación de la mujer en la vida civil, la estrategia y el misterio hacen parte de los temas  de sus  frescos. También influye su interés por la selva y sus  misteriosos   cuentos  leídos  o contados ,  los  cuales  el quiso plasmar  en varias  de sus  obras.

EL PADRE DE LA ABSTRACCION

Kandinsky nació en Moscu, hijo de Lidia Ticheev y Wassily Kandinsky Silvestrovich, un comerciante de té. Kandinsk aprendió de una variedad de fuentes. Más tarde en la vida, recuerda la fascinación y estimulado por el color como un niño. Su fascinación por el simbolismo del color y la psicología continuó a medida que crecía. En 1889, formó parte de un grupo de investigación etnográfica que viajó aVólogda al norte de la región de Moscú. En Mirada retrospectiva, relata que las casas e iglesias fueron decoradas con colores tan brillantes que al entrar en ellos, sentía que se movía en una pintura. Esta experiencia, y su estudio de arte popular de la región (en particular, el uso de colores brillantes sobre un fondo oscuro), se reflejó en gran parte de sus primeros trabajos. Unos años más tarde, primero comparó pintura para componer música de la manera por la cual se convertiría en señalar, escribiendo, "El color es el teclado, los ojos son los martillos, el alma es el piano con muchas cuerdas. El artista es la mano que obras de teatro, tocando una tecla u otra, para causar vibraciones en el alma "

El desarrollo de Kandinsky hacia la abstracción encuentra su justificación teórica en "Abstracción y empatía" de Wilhelm Worringer, que se había publicado en1908. Worringer argumenta que la jerarquía de valores al uso, basada en las leyes del Renacimiento, no es válida para considerar el arte de otras culturas; muchos artistas crean desde la realidad pero con un impulso abstracto, que hace que las últimas tendencias del arte se den en sociedades menos materialistas.

EL GRAFITI

En el lenguaje común, el grafiti es el resultado de pintar textos abstractos en las paredes de manera libre, creativa e ilimitada con fines de expresión y divulgación donde su esencia es cambiar y evolucionar buscando ser un atractivo visual y con un alto impacto, como parte de un movimiento urbano revolucionario y rebelde; por lo tanto, una pintada política no se considera un grafiti como tal. El grafiti se realiza de manera espontánea, veloz, en lugares públicos, y en algunas ocasiones se mantiene el anonimato. El aerosol, además, es catalogado como uno de los cuatro elementos básicos de la cultura hip hop

UN REPRESENTANTE DEL PAISAJISMO

José Orlando López Molina nació en Tibasosa (Boyacá-Colombia) En el año 1959, realizo estudios de arquitectura en la universidad Piloto y estudio publicidad en la Universidad Central de Bogotá. Los campos de Boyacá, tan ricos en los matices del verde, son demasiado atractivos para quien tiene la suerte de pintarlos, porque ese color no es precisamente de lo mas agradecido pero si imprescindible – y como no!- para el paisajista. Por otra parte, Boyacá es tierra fácil al sentimiento ruralista y tradicional propio de sus hijos. De ahí que, boyacense y paisajista, José Orlando López se entrega a las tentaciones de lo rural y lo verde que en esa fértil tierra suelen ir unidos a un concepto pintoresco de la figuración, que es lo que el cultiva convencionalmente. No puede caber duda, pues, en hablar de naturalismo decimonónico cuando se trata de determinar en que terreno estético se sitúa el pintor, al que cualquier inquietud que tenga que ver con las cuestiones planteadas por el arte del siglo XX le es ajena. A cambio, las verdes praderas donde las vacas pastan, las evocadoras casas de hacienda y las masas de pinos y eucaliptos le ofrecen un temario atrayente y sedante que el sabe aprovechar sin cambiar un ápice de lo que se ve y sabe reproducir en el lienzo con paciencia y honradez. No cree ni en la vanguardia ni en la critica. Su arte no es mas que la crónica de los paisajes de sus pueblos que respiran vida en el marco que limita sus sueños, pero que lo hacen un hombre feliz, que sufre, sin embargo, con la angustia de cada día, aunque crece en la sabana infinita que lo abriga desde la distancia bella de sus recuerdos. En la historia del arte, el paisajismo no ha sido considerado un genero mayor tal vez porque para su cultivo “no se necesita dibujo ni perspectiva ni mayor calidad” como se pregonaba en la academia de ingres. Nació tímida y dependientemente como simple referencia al lugar donde el pintor situaba la figura humana o el acontecimiento histórico religioso: un par de palmeras, unos papiro, o un campo de trigo en las pinturas murales del antiguo Egipto no son mas que indicativos necesarios para decirnos que los personajes se encuentran allí. No hay todavía paisaje sino señales de paisaje. Los historiadores, sobre todo si son italianos, nos cuentan que fue en el siglo XIII con Giotto, quien había sido pastor de ovejas, cuando nació el paisajismo en la pintura; pero los de Giotto son paisajes fabricados, no vistos, aunque hay que reconocer que ya tienen personalidad y van algo mas allá de ser indicativo escenográfico. Los fondos paisajísticos góticos intentan envolver a las figuras y son minuciosísimos, como hechos por notarios que pintan tan descriptiva como amorosamente; pero hay que esperar al siglo XVII en que los flamencos y holandeses, también los venecianos, imponen la pintura de país aun cuando genero escasamente autónomo. Todavía a finales de siglo XVIII se enseñaba en las academias españolas e hispanoamericanas bajo el titulo de “verduras” algo asi como materia accesoria, a la atura de la de “ropajes”. Solo con la corriente naturalista de la centuria decimonónica que abrió la pintura al plein air habría de alcanzar el paisaje a tener voz propia y a ser genero plenamente independiente.

ANTONIO RAMON MARQUEZ

Pintor rotulador, nació en el año de 1958. A los 12 años comenzó a organizar el primer taller de serigrafía en Riohacha, tiempo que compartía con la pintura de caballete. En 1988, motivado por la falta de oportunidades para crear artistas en La Guajira, fundó la primera escuela de dibujo con el nombre de Antonio Márque

De esta escuela salieron los primeros pintores guajiros. El maestro Márquez, de ascendencia indígena, y formado en la universidad de la vida, se ha dedicado a producir pinturas en el óleo sobre lienzo y esculturas, entre otras técnicas artísticas, las cuales se encuentran hoy en diferentes países.

Además de pintor es escultor y ha logrado plasmar con su creatividad las siguientes obras:

·         Busto de Luis Antonio Robles en el Palacio de Justicia de Riohacha.

·         Monumentos de “los Embarradores de Riohacha”.

·         Monumento de “La India”, Parque de La India de Riohacha.

·         Busto de Don Helio Pinedo Ríos, en el colegio que lleva su nombre.

Sus obras han sido exhibidas a nivel nacional e internacional. Aun hoy reposa en una galería de Miami su obra “La Vendedora de Pescado”, la cual fue seleccionada por el comité del programa Plan Caribe de la Presidencia de la República, a través del Despacho de la Primera Dama de Barranquilla, junto a 20 expositores del Caribe Colombiano.

Sus producciones resaltan la idiosincrasia y el entorno del indígena wayuu, lo que ha permitido conservar en muchas personas la imagen de la Guajira indígena colombiana.

DEBORA ARANGO

Era hija de Castor María Arango Díaz y Elvira Pérez. Desde niña mostró buenas actitudes por la pintura y el arte, años después ingresó al Instituto de Bellas Artes de Medellín. Fue alumna del Maestro Eladio Vélez, quien le enseñó los secretos del dibujo y del Maestro Pedro Nel Gómez; en el taller de este último aprendió la dinámica de la forma, la vitalidad del movimiento, el colorido. Mientras tanto, en la biblioteca de su tía, descubrió a los filósofos y escritores de todas las tendencias; por intermedio de sus hermanos, estudiantes de medicina, accedió a libros de anatomía que le permitieron el estudio del cuerpo humano.1 En 1937 expuso acuarelas de paisajes, animales y naturaleza muerta, junto a sus compañeras del taller de Nel Gómez. En 1938 se apartó de su maestro y comenzó a trabajar sola, experimentando con desnudos de tamaño natural y pintando escenas de la vida real. Un año después participó en la "Exposición de Artistas Profesionales" en el Club Unión de Medellín donde expuso acuarelas y óleos, incluyendo dos desnudos, uno de ellos "Cantarina de Rosa": ganó el primer premio y el escándalo estalló. La sociedad política e intelectual repudió su obra y la calificó de sórdida, impúdica y pornográfica. En 1946 viajó a México para perfeccionarse y estudiar a los muralistas; de regreso, en 1948, expuso en Medellín, pero su desnudo, esta vez "La adolescencia" volvió a escandalizar a la sociedad. Rebelde, transgresora, audaz, polémica, talentosa, Débora abordó la crítica social y política de su país y de su época: pintó obreros marginados, monjas, prostitutas, mujeres relegadas, el dolor y el maltrato, la situación política y las manifestaciones populares. Interpretó la realidad cotidiana, denunciando la violencia de una sociedad llena de prejuicios ancestrales. Fue la primera mujer colombiana que se atrevió a pintar desnudos, por lo que fue duramente criticada, también lo fue por los retratos de conocidos políticos pintados con forma de animales.

TALLADO EN MADERA

Una talla es una obra de escultura, especialmente en madera.1 La madera se talla mediante un proceso de desbaste y pulido, con el propósito de darle una forma determinada, que puede ser un objeto concreto o abstracto. El producto final puede ir desde una escultura individual hasta elementos decorativos trabajados a mano que forman parte de una tracería. Es una actividad muy antigua y extendida. Algunos de los mejores ejemplos que subsisten de antigua madera tallada provienen de la Edad Media en Italia y Francia, donde los temas típicos de aquella época era la icono grafía cristiana. En Inglaterra subsisten ejemplos de los siglos 16 y 17, época en la que el medio preferido era el roble. Desde las épocas más remotas la decoración de madera ha sido un arte destacado. La tendencia de la naturaleza humana ha sido siempre ornamentar cada artículo de uso ordinario. La Humanidad, desde sus primeros tiempos, cortan dibujos o diseños en cada artículo de madera que es susceptible de talla. Así puede verse en la obra de diversos pueblos que conservan esta tradición: los indios de Norteamericana tallan sus anzuelos o las boquillas de las pipas, lo mismo que los polinesios tallan sus remos.

LAS MEJORES ESCULTURAS DEL MUNDO

Las esculturas más famosas del mundo alcanzan su popularidad por motivos muy distintos. En ocasiones es por haber marcado hitos en la historia del arte, porque se han convertido en iconos que poco o nada tienen que ver con el arte o por el misterio que las rodea y encandila a investigadores y turistas. El Moisés de Miguel Ángel se ha reproducido y divulgado en tantos libros de historia de arte con un aspecto tan robusto e imponente que desconcierta verlo en persona en la pequeña Basilica di San Pietro in Vincoli (Roma) con un tamaño bastante más modesto y asequible de lo esperado. 8. Pietá Stanislav TraykovLa Pietá, también de Miguel Ángel, es uno de los muchos tesoros a los que da cobijo la Basílica de San Pedro del Vaticano. En 1972, el día de Pentecostés, el conjunto escultórico fue dañado por un hombre con problemas psicológicos que arremetió a martillazos contra la figura de la Virgen. Gracias a las múltiples copias que existían del original se pudo restaurar la obra, pero desde entonces la Piedad solo se puede contemplar a través del vidrio a prueba de balas que la protege. 7. Moáis Artemio UrbinaLas más de 600 estatuas de piedra monolítica encontradas en la Isla de Pascua (Chile) generan desconcierto y muchas preguntas a las que aún no se ha podido dar respuesta con certeza. Existen toda clase de teorías sobre su significado, su construcción o su transporte. Un gran enigma y reclamo turístico. 6. Venus de Willendorf Don HitchcockLa Venus de Willendorf es la más conocida de las venus prehistóricas, pequeñas estatuas femeninas con rasgos genéricos y exagerados atributos. En cuanto a la Venus de Willendorf existen dos teorías dominantes y antagónicas sobre su significado: para unos es un símbolo de fertilidad y prosperidad, mientras que para otros representa a la Madre Tierra. Es tan famosa por sus exageradas y redondas proporciones que quienes hayan leído la también famosa serie de libros Los hijos de la tierra seguro que reconocieron a esta venus en la figurilla de la Gran Madre.

ARTE ROCOCÓ

El rococó es definido como un arte individualista, antiformalista cortesano.

 Se caracteriza por el gusto por los colores luminosos, suaves y claros. 

Predominan las formas inspiradas en la naturaleza, la mitología, la belleza de los cuerpos desnudos

el arte oriental y especialmente en los temas galantes y amorosos.

Es un arte básicamente mundano, sin influencias religiosas, que trata temas de la vida

 diaria y las relaciones humanas, un estilo que busca reflejar lo que

es agradable, refinado, exótico y sensual.

ALEJANDRO OBREGON

(Barcelona, 1920 - cartagena 1992). Desde su niñez vivió en Barranquilla. 

Se formó en la Escuela de Bellas Artes de Boston y en la Llotja de Barcelona. 

Al regresar de España en 1944 participó en el V Salón Nacional de Arte con gran éxito. 

La crítica denominó a su mundo "expresionismo mágico".

Su obra contempla algunas fases decisivas. 

Al comienzo fue naturalista y en ocasiones expresionista. 

A partir de 1947 exploró el cubismo, donde una perspectiva singular reinó en sus composiciones. 

A comienzos de la década del sesenta Obregón alcanzó la fuerza de su estilo. 

Su consagración no se hizo esperar y ganó en dos ocasiones

 el primer premio de pintura del Salón nacional (1962, 1966),

con su cuadro "Violencia" e "Icaro y las avispas", respectivamente. 

 Maestro del óleo en sus comienzos, se dedicó en su última etapa

 al acrílico, lo cual para algunos estudiosos “lo que ganó en libertad formal 

lo perdió en poder expresivo”.

Pintor de la violencia, pero también del sueño, es una de las piedras 

angulares del arte realizado en Colombia.

 Fascinado por la pintura mural, 

realizó obras de gran reconocimiento en el Senado de la República y en la Biblioteca Luis Ángel Arango. 

MASCARA EN PAPEL MACHE

Muchas veces los niños quieren disfrazar-se con una máscara y no saben como hacerla pues en esté caso te presentamos una forma muy sencilla y económica para poder realizar una máscara. Además está técnica te servirá para poder hacer cualquier tipo de máscara ya que te enseñamos ha hacer la base. Tú luego la pintas y la decoras a tu gusto.

Instrucciones

Primero de todo remoja el papel periódico 

 en trocitos la que se licua, retirándolo a un colador fino para que escurra el agua.

Después una vez que se tiene la masa esta se mezcla con la cola y se le agrega 

unas gotitas de formol para su conservación.

A continuación esta masa fina y consistente se moldea a la forma que uno desee,

 en el caso de máscaras sobre un globo inflado, el que al secar la masa se desinfla.

Para el caso de elaborar máscaras de animalitos,

 los hocicos y trompas se hacen sobre la base de vasos descartables

 o bollitos de papel higiénico.

Una vez obtenida la máscara esta se pinta de acuerdo a la forma moldeada!!!

OMAR RAYO

Roldadillo, 1928 - Palmira, 2010) Artista colombiano. Hijo primogénito de Vicente Rayo y María Luisa Reyes, cursó por correspondencia sus primeros estudios de dibujo en una academia de Buenos Aires. En 1947 se estableció en Cali; al no hallar empleo como ilustrador en ningún periódico local, sobrevivió trazando caricaturas y pasó fugazmente por la Escuela de Bellas Artes.
Al año siguiente se traslado a Bogotá y trabajó como ilustrador en varias publicaciones capitalinas. El periódico El Siglo lo contrató para dibujar las caricaturas de los participantes en la IX Conferencia Panamericana.

se dedicó especialmente a la realización de grabados en relieve mediante la técnica de la talla dulce o intaglio, en los que trató todo tipo de temas, creando series de animales, objetos cotidianos o figuras humanas. En 1970 mereció un premio especial en la Primera Bienal de Grabado Latinoamericano, en San Juan de Puerto Rico; ese mismo año recibió el primer premio en el Salón Nacional de Artistas de Colombia. En 1971, el Museo de Arte Moderno de Bogotá organizó una exposición retrospectiva de su obra y participó en la Bienal de Sao Paulo.

Entretanto, a la vez que sus intaglios alcanzaban

 

SILUETAS Y TRIBALES PARA EL GRADO QUINTO

 Para el dibujo sobre tela  que  se realizara en el grado quinto  estos son  algunos dibujos para la  camiseta,adicionalmente se pueden colocar las iniciales  de  tu nombre con la asesoría  del profesor  los  materiales  son los  siguientes:

- Acriltela negra
-Pincel No 2 o 3 punta angular
-Papel para calcar sobre  tela
--1/8 de cartón paja
 recuerda que  la  imagen  debe ser  del tamaño de una  hoja de block tamaño carta.

Mándala

Los mándalas son diagramas o representaciones esquemáticas y simbólicas del macrocosmos y el microcosmos

es generalmente representado como un círculo inscrito dentro de una forma cuadrangular. En la práctica, los iantra hindúes son lineales, mientras que los mándalas budistas son bastante figurativos. A partir de los ejes cardinales se suelen sectorizar las partes o regiones internas del círculo-mándala.

Dentro de las múltiples técnicas de relajación orientales, se encuentra la de pintar mándalas, los cuales son publicados en libros parecidos a los de los libros de colorear de los niños, donde viene el mándala sólo dibujado con líneas y el resto en blanco dispuesto para colorear. Esta técnica de relajación no requiere ninguna disciplina expresa, como puede serlo en otras, ya que quien está haciéndolo lo colorea según sus gustos estéticos e imaginativos. La pueden realizar personas de cualquier edad, siendo además que fortalece la creatividad.

 

ARTE EGIPCIO

El LENGUAJE PLASTICO DE LA NUEVA GENERACION

 

Alejandro Obregón nació en 1920, en Barcelona, España, adonde su padre, colombiano, se había trasladado temporalmente. Su infancia transcurrió en Barranquilla (Colombia) y Liverpool (Inglaterra). En 1939 uno lo encuentra estudiando bellas artes en Boston. Al año siguiente regresaría a Barcelona, como Vice-cónsul de Colombia, hasta 1944. De nuevo en Santafé de Bogotá en 1948, fue nombrado Director de la Escuela de Bellas Artes. En dicha posición se mantuvo escasamente un año, aunque la semilla de cambio que allí logró plantar se enraizó rápidamente. Al año siguiente, Obregón se marchó a Alba, cerca de Avignon (Francia), donde permanecería hasta 1955. Para este año, al cual pertenece Bodegón en Amarillo, el estilo de Obregón estaría perfectamente definido, y poseería los elementos formales que le caracterizarían hasta su muerte en 1992.

MATISSE

Henri Émile Benoît Matisse (31 de diciembre de 1869 - 3 de noviembre de 1954) fue un pintor francés conocido por su uso del color y por su uso original y fluido del dibujo. Como dibujante, grabador, escultor, pero principalmente como pintor, Matisse es reconocido ampliamente, junto a Pablo Picasso como uno de los grandes artistas del siglo XX. Al inicio de su carrera se le identificó con el fauvismo y para los años 20 ya se había destacado por su maestría en el lenguaje expresivo del color y del dibujo, la cual desplegó en una inmensa producción que se extendió por más de medio siglo, y que consagró su reputación como una de las figuras centrales del arte moderno

. Durante su trayectoria supo conjugar en sus obras la influencia de artistas como Van Gogh o Gauguin, con la de las cerámicas persas, el arte africano o las telas moriscas.

ARTISTAS DE DECIMO

 Estos  son los  trabajos  del grado 10 del colegio San Alberto Magno en el tercer periodo escolar del año en curso.Trabajos que  fueron realizados  con la técnica del vinilo en trípticos algunos abstractos  y otros Subrrealistas,en la gran mayoría se trabaja  la degradación y difuminaciones  en los  elementos y figuras  las cuales  son propuestas individuales