EL FAUVISMO

El fovismo, también conocido como fauvismo, en francés fauvisme, (1904-1908) fue un movimiento pictórico francés caracterizado por un empleo provocativo del color. Su nombre procede del calificativo fauve, fiera en español, dado por el crítico de arte Louis Vauxcelles al conjunto de obras presentadas en el Salón de Otoño de París de 1905

. El precursor de este movimiento fue Henri Matisse y su mayor influencia en la pintura posterior se ha relacionado con la utilización libre del color.

La gran figura del fauvismo, iniciador de la corriente con su emblemática obra “Lujo, calma y voluptuosidad”, de 1904. Este pintor francés fue uno de los grandes artistas de vanguardia, dando máximo poder expresivo a los colores y caracterizándose por su trazo fluido, espontáneo. Sus obras están hoy entre las más cotizadas del mundo del arte.

Bohemio y anarquista, Vlaminck fue otro de los artistas parisinos que conmocionaron al mundo de las ates en aquel "salón de las fieras" de 1905. Colores vivos e intensos predominan en sus cuadros de paisajes, donde son especialmente conocidos los árboles rojos.

POSTIMPRESIONISMO

Es un término histórico-artístico que se aplica a los estilos pictóricos de finales del siglo XIX y principios del siglo XX posteriores al impresionismo.

Todos los artistas agrupados bajo el término postimpresionismo conocieron y practicaron en algún momento los postulados impresionistas. El impresionismo fue un movimiento pictórico que se desarrolló con fuerza en la segunda mitad del siglo XIX y que rompió los supuestos académicos, sociales y económicos vigentes en el arte. En su momento, supuso una revolución   y sus obras recibieron fuertes críticas. Al ser rechazados en los circuitos oficiales, el grupo de los pintores impresionistas organizó sus propias exposiciones y mantuvo una cohesión que duró hasta que, décadas después, algunos de ellos alcanzaron cierto reconocimiento. De la disgregación de ese movimiento nació el Postimpresionismo en parte como evolución y en parte como ruptura.

 

La obra de Cézanne, Gauguin y Van Gogh se caracterizó por un uso expresivo del color y una mayor libertad formal. Paul Cézanne se interesó por resaltar las cualidades materiales de la pintura, representando seres vivos y paisajes, volúmenes y relaciones entre superficies, como en Pinos y rocas (1895-1898, MoMA, Nueva York). Su interés por las formas geométricas y la luz prismática inherente en la percepción de la naturaleza anticipó los experimentos del cubismo.

Paul Gauguin, en un intento por conseguir la capacidad comunicadora del arte popular, se centró en la representación a base de superficies planas y decorativas, como se aprecia en la obra Calvario bretón (1889, Palacio de Bellas Artes, Bruselas

 

ARTE SACRO

El Arte Sacro es una denominación utilizada para todas aquellas producciones artísticas que tienen como fin un culto a lo sagrado o divino. Durante el trayecto de los siglos el cual se reconoce la fe, encontramos que el Arte Sacro intenta determinar cada pasaje y aspectos divinos por medio de pinturas, esculturas y mosaicos. Las representaciones más frecuentes en el cristianismo por ejemplo nos muestran el bautismo, el juicio, la crucifixión, la muerte y la resurrección de Jesucristo, también nos muestran a la Virgen María o imágenes de la Biblia.

EL TRIPTICO

Un tríptico  es una obra de arte (por lo general un panel pintado) que se divide en tres secciones, o tres paneles tallados que están unidos por bisagras. Por lo tanto es un tipo de políptico (término que se aplica a todas las obras que se componen de varios paneles). El panel central por lo general es el mayor y está flanqueado por dos obras relacionadas algo menores, aunque también existen trípticos en los que los tres paneles son de igual tamaño.

Aunque la etimología de la palabra se remonta al griego antiguo triptichos, la palabra surgió durante la Edad Media a partir del nombre de una tableta de escritura romana antigua, que tenía dos paneles a los lados de un panel central.

 

 

PROPORCIONALIDAD Y CANON

 

El redescubrimiento de las proporciones matemáticas del cuerpo humano en el siglo XVpor Leonardo y otros autores, está considerado como uno de los grandes logros del Renacimiento.

El dibujo también es a menudo considerado como un símbolo de la simetría básica del cuerpo humano y, por extensión, del universo en su conjunto.
El Hombre de Vitruvio es un famoso, dibujo acompañado de notas anatómicas de Leonardo da Vencí realizado alrededor del año 1490 en uno de sus diarios. Representa una figura masculina desnuda en dos posiciones sobreimpresas de brazos y piernas e inscrita en una circunferencia y un cuadrado ('Ad quadratum'). Se trata de un estudio de las proporciones del cuerpo humano, realizado a partir de los textos de arquitectura de Vitruvio, arquitecto de la antigua Roma, del cual el dibujo toma su nombre. También se conoce como el Canon de las proporciones humanas
 

El rostro, desde la barbilla hasta la parte más alta de la frente, donde están las raíces del pelo, mide una décima parte de la altura total.

La palma de la mano, desde la muñeca hasta el extremo del dedo medio, mide exactamente lo mismo.

La cabeza, desde la barbilla hasta su coronilla, mide la octava parte de todo el cuerpo.

Desde el esternón hasta las raíces del pelo equivale a una sexta parte de todo el cuerpo.

Desde la parte media del pecho hasta la coronilla, una cuarta parte de todo el cuerpo.

Del mentón hasta la base de la nariz, mide una tercera parte del rostro.

La frente mide igualmente otra tercera parte del rostro.

El pie equivale a un sexto de la altura del cuerpo.

El codo, una cuarta parte de todo el cuerpo.

El pecho equivale igualmente a una cuarta parte de todo el cuerpo.

El ombligo es el punto central natural del cuerpo humano. En efecto, si se coloca un hombre boca arriba, con sus manos y sus pies estirados, situando el centro del compás en su ombligo y trazando una circunferencia, esta tocaría la punta de ambas manos y los dedos de los pies.

DIGNO DE ADMIRAR

"No es  la discapacidad  lo que  hace dificil la vida, sino los  pensamientos y acciones.

este es un ejemplo  de  los  talentos  que  Dios  nos  regala  a cada uno de  nosotros 

es claro que  los  limites  los  colocamos  nosotros "

EL DIBUJO DEL NATURAL

No todo va a ser  invención continua, total e imaginativa es muy positivo también realizar  el esfuerzo de intentar captar las formas  objetivas; o sea, dibujar del natural.

por supuesto que  no se trata de  que  el dibujo sea completamente igual a lo que  estamos  viendo, por que  además de ser imposible, debes saber que  igual auna cosa, no hay más  que  la  misma  cosa 

por tanto, aunque  digamos  que  copiamos  realmente lo que  vemos, no es  verdad; lo que  hacemos  es una interpretación. Esta interpretación  pasa por  un filtro de  nuestra mente y se  obtiene  un resultado personal.

trabajar  por  ejemplo un boseto la técnica el lápiz corriente de mina blanda  el estudiante  o el dibujante  se sentirá  más  comodo al manejar  luz y sombra obteniendo excelentes  resultados.

ARTE CALLEJERO

El arte callejero o street art del término inglés, en su concepción más amplia y literal describe todo arte desarrollado en la calle,  normalmente de manera  ilegal.Esto incluiría  tanto al Grafiti como otras  formas  diversas de intervención artística en la  calle.

Sin embargo, desde  mediados  del los años  90 el término  street art o su equivalente  de  Post-Graffiti se viene  usando  para  describir  el trabajo de  un conjunto heterogéneo de  artistas que  han ido desarrollando acciones  artísticas  en la  calle  mediante  el uso de  plantillas,posters,pegatinas y otras  técnicas  y códigos  que  se  alejan del graffiti.

El.mensaje  original  de esta campaña  fue nulo,se erigió haciendo referencia a sí mismo, si otro significado de por  medio. Sin embargo, desde mediados  de los  noventa ha  sido una  de la imágenes  de cultura urbana más  veces retomada por  otros artistas. Se ha parafraseado a manera de homenaje y otras  ironía, pero ha servido como base importante para el desarrollo  del arte callejero en  todas  las  capitales del mundo.

EL VOLUMEN EN EL DIBUJO

El dibujo del volumen se encarga de representar la magnitud o la escala definida de un objeto y el espacio ocupado por ese cuerpo. Para lograrlo se utiliza el modelado, que es la forma de dibujar degradados, sombras y luces en los objetos para simular su volumen. Por eso muchas veces se le llama modelado 3D, puesto que busca representar un espacio con profundidad.

Cuando se empieza a dibujar, se puede practicar el modelado con las formas geométricas. Así se aprende a contrastar luces y sombras

METODO DE LA CUADRICULA

Una manera de trasladar imágenes de un papel a otro sin usar un ordenador es utilizando el método de la cuadrícula. Sólo necesitas tres cosas para llevar a cabo este trabajo: lápiz, regla y una imagen.
a continuación los pasos  para  crear este tipo de  método:

1- Elige tu imagen. La imagen que se usará para dibujar sobre la  cuadricula
2-Elige el papel donde dibujarás. Debería estar escalado al tamaño de la original.
Por ejemplo, si tienes una imagen del tamaño (21.4cm x 28cm), escálalo al papel de dibujo adecuadamente, ejemplo (43cm x 56cm) (dos veces mayor)
3-Marca las líneas de referencia en intervalos iguales. Para esta guía se usarán intervalos de 2.5 centímetros. Al final deberías tener marcas espaciadas en las esquinas de tu papel.
4-Conecta las marcas con una regla. Estas líneas formarán un patrón de cuadricula
5-Haz el mismo patrón en el papel donde vas a dibujar. Al final deberías tener algo similar
6-Cuando esté completo, numera cada cuadrícula de la imagen de referencia y tu papel. Si lo has hecho bien debería haber 99 cuadrados. El resultado final debería parecer un calendario largo.
7-Es hora de empezar a dibujar. Empieza por donde quieras a dibujar teniendo en cuenta cada  figura que  se  forma  en en cada cuadro de  la  cuadricula  hasta  formar  un todo